2016年6月25日(周六)下午三时，“存在与时间——许永城油画作品展”在中国艺术研究院中国油画院教学展厅成功举办。展览汇集了许永城近几年带有探索性的绘画作品50余幅。此次展览的作品基本上都是许永城这些年在个人感觉方向和语言探索方面的实践。

展览现场

　　许永城来自广东，敏感于城市生活较早现代化下人内心的空虚、无聊，犄角旮旯、细枝末节成了他睡眼惺忪下惘然若失的主要题材，而他人性的温度也寄情于那些粉红粉绿的笔触消融在一片暧昧当中。

许永城与朱春林老师合影

许永城与郭晓光老师合影

许永城与石磊老师合影

许永城与孙文刚老师合影

许永城与孙志义老师合影

　　许永城的画作有一种哲学化的意蕴，此次展览以哲学家海德格尔的经典著作《存在与时间》为题，展现了许永城绘画的艺术观。他通过主观构建出来的光影，实现了画家对时间、空间和此在的个人化理解和视觉转换。他在画面里所营造出来的绘画之光，与生俱来地包含着黑格尔所说的“内在精神性”。我们可以将许永城的绘画精神诉求归结为画家对停滞的时间、寂寥的空间和无声的世界三个概念的哲思与迷恋，借此，我们可以通过他这种个人化的体悟更为深入地探讨其作品独特的样式的由来。

展览现场

　　6月28日下午，中国油画院特邀青年艺术家许永城在其展览现场，选择展厅中某一场景进行了两个多小时的即兴创作。

艺术家现场创作

　　创作结束后，许永城围绕此次展览和现场创作与在场的嘉宾进行了对话交流。主要针对自己绘画的语言探索，以及如何与时代发生关系等问题，这次展览的50余张作品便是最好明证。

艺术家现场创作

　　一开场许永城就阐述了自己的绘画态度和立场，即慢慢去掉自己绘画中的叙事性，直接切入局部性的场景，通过与时间、空间发生关系，使画面具有缓慢的情绪，体现一定的精神性，从而使自己的绘画更纯粹，更有意思。接下来的对话主要围绕以下三个方面展开：

《无题》

　　1  从前——突破——现在

　　嘉宾们都指出许永城此次展览作品在风格上与之前的一致性，但较之前更为成熟，更切入当下。尤其是形式上一改从前较暗的色调，转而使用粉色等明亮的色调，与之前大不相同。

　　针对这一问题，许永城称自己这种“否定从前、突破自己”的行为乃是一种勇气和冒险。打破以前惯用的古典绘画色彩体系以及罩染的技法，试图在红绿这种互补色中寻找和谐和平衡，或使用亮粉等色彩来表达暧昧的情绪。尤其是对孤独情绪的表达，并非局限于叙事性手法，碎片化、局部性的处理，更能使情绪充满诗性。这不仅是画家内在气质的体现，更是与西方理性精神不同的中国人所特有的情怀与浪漫。而如何使孤独中呈现温暖一面，将是他之后探索的重点。

《心境》

　　2  人物——转换——观念

　　各位嘉宾都注意到许永城的绘画中人物的缺失，针对这一疑问，他指着其中一幅作品解释到：“当初是要画背影的，后来发现是多余的。于是用了一种巧妙的方式，把人物变成了门，去掉了人物，发现情绪还在……后来发现叙事性对表达情绪是一种困扰。”嘉宾们对这种转变表示肯定和赞同，指出其绘画中人物由“画中人”变成“看景人”，视角和观照点的变化，反而使画面更加纯粹。

《白日梦》

　　许永城以自己最喜欢的绿色那张画为例，称这幅画是他绘画转变的过渡，画中绿色的人，顶头顶底，充满画面，似乎与画面格格不入，介于正常与不正常之间，并强调这幅画是没有叙事性的。借此回应自己的绘画开始逐渐趋向观念的表达，但是这并不影响他对绘画形式的偏爱，他喜欢画布与笔和颜料的互动，因为这样是有温度的，体现了研究架上绘画的重要性。

　　3  个人——选择——公众

　　在与现场观众的互动中，有人提出艺术家如何协调个人表达与社会共鸣的关系。面对这一重要但无法给出明确答案的问题，许永城以自己的经历为例，说一开始学习绘画技术，后来发现照相机一下子就能解决，但是慢慢意识到相机体现的温度和情感都不够强烈。近二十年来他开始拍摄一些建筑物的局部，画面都是切割化的，而自己审美倾向也与此有关系，并且逐渐认为画面与心灵是相契合的，艺术家应不偏离内心。最近几年又意识到自己的绘画要与当下发生关系，要与时代精神和情感产生联系，通过表达时代和个人来丰富画面的情感。

《无题》

　　艺术家康乐也就此问题进行了总结和进一步阐述，他说：“画家是为某一群人画画，所以应与公众发生关系，画家自我陶醉没有任何意义。许永城的绘画中体现了他的两个选择，一是个体选择，即个人意识的选择，通过取景局部来表达自己生活中真实的一部分。二是时代选择，画家敏锐地感受时代气息，并在画面中体现出来，感动当代人。”

许永城

　　此次展览将持续至2016年7月9日，欢迎您莅临，参观展览。